El cineasta chileno Raúl Ruiz (o Raoul Ruiz, nombre que adoptó para que en Francia lo nombraran correctamente) nos dejó hace nueve días. Murió en París, a los 70 años, a causa de una infección pulmonar. Solía residir allí desde que el dictador Pinochet se hiciera con el poder en su país, al que volvió para ser enterrado en un acto, dicen las crónicas, estremecedor y multitudinario. Aunque su cine no tenía una vocación demasiado popular, su último film, Misterios de Lisboa, llegó a estrenarse en España el pasado mes de marzo, tras conseguir la Concha de Plata al Mejor Director en el último Festival de San Sebastián, recibiendo además el aplauso unánime de la crítica.

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Super 8 supone quizá el más sentido homenaje que hay recibido Steven Spielberg por parte de otro creador audiovisual. Además, Super 8 cuenta con un detalle que convierte a la película en un producto singular: si en los 80 Spielberg se dedicó en buena medida a modelar a sus propios imitadores mediante a través de la productora Amblin, en 2011 ha sido capaz de ejercer como padrino en su propio homenaje, aportando la producción ejecutiva del film e incluso la marca ‘Amblin’ al comienzo de la cinta.

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Algunas de las mejores creaciones audiovisuales de los últimos años han sido series de televisión. Frente a la supuesta supremacía artística del cine, algunos creadores de la pequeña pantalla han hecho méritos para que esta pase a la historia como la edad dorada de las series (norteamericanas). Estas ficciones han encontrado el reconocimiento del público de todo el mundo, que se las ha ingeniado para seguirlas por cauces hasta ahora inéditos, y también de la crítica más seria (como demuestra el monográfico que han editado este mes nuestros compañeros de Cahiers du Cinema. España).

Lo que pretendo ahora es simplemente reseñar con extrema brevedad las cinco series que considero que nadie se debería perder. Notaréis que no hay ninguna pretensión de originalidad ni de ningún tipo por mi parte. Al necesitar las series una dedicación temporal muy superior a las películas convencionales, este crítico no ha podido disfrutar de algunas de ellas en su totalidad (Breaking Bad, Los Soprano) y otras ni siquiera las ha catado (Boardwalk Empire o Juego de tronos, el fénomeno del momento). Por lo demas, no solo se admiten sugerencias sino que se reclaman.

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Érase una vez en América, cinta que se repone este mes de julio en los cines Verdi de Madrid y Barcelona, supuso para Sergio Leone la culminación del proyecto de su vida. Tal fue su entrega a este film, concebido a finales de los años 60, que el realizador romano rehusó dirigir ninguna otra película desde 1971 hasta 1983, año en que comenzó el rodaje. Afortunadamente, el productor israelí Arnon Milchan le dio la ansiada oportunidad a principios de los 80, resultando de todo ello un monumental film de más de cuatro horas de duración.

Sin embargo, al poco tiempo Leone se vio obligado a recortar el metraje hasta 229 minutos, y estrenar el film en Europa en 2 partes. Al menos, esta versión aún se acercaba bastante a la visión original del director. En EEUU, Érase una vez en América corrió peor suerte, puesto que la distribuidora mutiló el film hasta dejarlo en 139 minutos, y además alteró el magistral montaje a base de flashbacks ideado por Leone, haciendo que la película se desarrollase de manera absolutamente cronológica, destruyendo el sentido y el impacto emocional que tenía la estructura original. Aún así, con el tiempo, el público americano acabaría conociendo el montaje europeo en formato doméstico.

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Blackthorn. Sin destino supone el regreso como director de Mateo Gil, el inseparable colaborador de Alejandro Amenábar, 12 años después de su decepcionante ópera prima, Nadie conoce a nadie.  En esta ocasión, y en un giro a su carrera casi paralelo al de su amigo, Gil ha cambiado el thriller moderno por un género tradicionalmente asociado al Hollywood clásico: el western, en este caso con cierto aroma épico.

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El Gatopardo, sin lugar a dudas, es una de esas películas que pertenecen a otra época. Más allá de la obviedad de la frase, hay que aclarar que me refiero también a un tiempo en que el arte cinematográfico, especialmente con la llegada de los grandes formatos de imagen, aún mantenía cierta pureza y singularidad que lo distinguían claramente de otros medios audiovisuales. No hay apenas nada de la grandeza del film, dirigido por Luchino Visconti y fotografiado en Technirama 8-perf. , que pueda ser reproducido en un producto televisivo, ni el ritmo, ni las composiciones visuales, ni la narrativa.

Por ello, descubrir este film en una pantalla de ciertas dimensiones, especialmente si es la restauración de 2010 que actualmente proyectan los cines Verdi de Barcelona y Madrid, ofrece una sensación similar a la de ver la luz del sol tras un mes de lluvia, con esa emoción de reencontrar la belleza que uno creía haber olvidado entre la monotonía de un tiempo gris.

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Hanna, aunque no lo parezca a primera vista, es quizá una de las apuestas más arriesgadas dentro del cine ‘mainstream’ en lo que llevamos de año. Si bien el argumento y las localizaciones nos remiten directamente a la ya legendaria saga Bourne y a otras historias de espías típicas de la Guerra Fría, en el corazón de este relato late un espíritu cercano al de una mítica película familiar de los 80. Hablamos de D.A.R.Y.L, aquel simpático largometraje, a medio camino entre el cine infantil y la ciencia-ficción, que protagonizara Barrett Oliver, el niño de ‘La historia interminable’.

En Hanna, al igual que en aquella película, nos encontraremos a un misteriosa jovencita que, aislada del mundo durante toda su vida, tendrá repentinamente que aprender a sobrevivir en sociedad y a relacionarse de manera normal con el resto de las personas. Aunque claro, tratándose de una niña entrenada en las artes del asesinato a sangre fría, esta llegada a la madurez y al descubrimiento de la propia identidad dejará un inevitable rastro de sangre y muerte. Precisamente, esta trama completamente descabellada y bizarra le sirve al director, Joe Wright, para centrarse en ofrecer un peculiar ejercicio de estilo que, a buen seguro, no dejará indiferente a nadie.

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Título: Midnight in Paris
Director: Woody Allen
Duración: 100 minutos
Estreno en España: 13 de mayo
Intérpretes: Owen Wilson, Rachel McAdams, Michael Sheen, Marion Cotillard, Kathy Bates, Adrien Brody, Carla Bruni.
Midnight in Paris, tráiler en español
Crítica: Midnight in Paris
¿Debo ir a verla? Estupenda muestra del Allen más lúdico, accesible y perfecto.

Los amantes del cine de Woody Allen llevábamos mucho tiempo esperando que el genio despertara. ‘Vicky Cristina Barcelona’, ‘Si la cosa funciona’ o ‘Conocerás al hombre de tus sueños’, las tres películas que preceden a la deslumbrante Midnight in Paris, eran cintas más interesantes en sus planteamientos que en sus resultados. Había brillantez en muchos pasajes, pero uno tenía la sensación de estar ante gatillazos del genio.

Midnight in Paris ha demostrado que el genio del norteamericano nos puede dar todavía gratas sorpresas. El primer acierto del responsable de ‘Balas sobre Broadway’ ha sido la elección de Owen Wilson. El actor norteamericano, que ya nos había dado muestras de su genio en las películas del inclasificable Wes Anderson, se convierte en el perfecto álter ego de Woody Allen que el realizador casi siempre incluye en sus largometrajes. En sus movimientos y manera de hablar, Wilson demuestra que ha estudiado las interpretaciones del neoyorquino hasta apropiárselas. Su composición de ese guionista de Hollywood que viaja a París y se ve transportado a los años 20 de la ciudad, aquellos donde los surrealistas y los miembros de la Generación perdida, es simplemente genial. El intérprete se gana casi automáticamente la simpatía del público con sus manías y chistes varios.

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Batman fue el primer film de gran presupuesto en el que trabajó Tim Burton, y podemos decir que con él prácticamente se aseguró el futuro de su carrera en el cine. El clamoroso éxito obtenido por el film en todo el mundo durante aquel verano de 1989 (aunque en España no llegó hasta octubre), permitió al cineasta ‘freak’ por excelencia asentarse en la industria, y activar a pleno rendimiento su fábrica de personajes entrañables y/o trágicos marginados por su aspecto u origen.

Por supuesto, ni Batman ni su inmediata secuela escaparon a dicho enfoque sobre los personajes. Aunque todo hay que decirlo, los personajes creados por Bob Kane y sucesores se prestaban bastante a ser adaptados por el antiguo dibujante y diseñador. Sin embargo, esta primera entrega del hombre-murciélago aún era inequívocamente un producto de estudio de finales de los 80, de manera que la acción y la trama primaban por encima de los personajes, los cuales tenían sus personalidades trazadas de manera bastante sencilla (que no simple), algo por otro lado primordial para el correcto fluir de la historia.

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Ben-Hur es sin lugar a dudas el clásico por excelencia del cine épico religioso que suele poblar las pantallas televisivas durante cada Semana Santa. Algo que no deja de tener cierta ironía ya que el componente religioso de la cinta, aunque fundamental en la trama, ocupa en verdad poco tiempo en pantalla. Y quizá gracias a ello, la película posea infinitamente más fuerza que otras cintas más iniciadas en lo que a temas judeo-cristianos se refieren.

La película se centra en las andanzas de un antiguo noble hebreo caido en desgracia que, tras consumar su venganza hacia su antiguo mejor amigo romano, culpable de su injusto sufrimiento, encuentra la redención de su atormentada alma en la figura de Cristo tras asistir a su calvario y crucifixión. Afortunadamente, el director William Wyler, de orígenes judíos, potenció hasta el límite el drama de un personaje humano, pasional e imperfecto como cualquiera de nosotros. Probabablemente, fue el hecho de que el personaje principal también fuera judío lo que motivó este desplazamiento del mensaje cristiano hacia cierta periferia argumental, sin por ello perder nada de su importancia en el relato.

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