Las sagas de animación de los últimos años han sido tan rentables que se han exprimido hasta el extremo. De ahí que la Dreamworks saque a la luz su spin off más esperado: El gato con botas. Si bien ‘Shrek’ empezó siendo brillante, la pura repetición de la fórmula llevó al ogro al terreno de lo convencional y, por extensión, parece haber infectado de este mal al felino.

El problema básico es que El gato con botas no es diferente, ni tan gracioso como el film progenitor, y al pasar de secundario a protagonista el animalillo pierde candor, comicidad y, lo que es peor, tampoco hay magia en el batuburrillo de cuentos (en sustitucion del original de Perrault) mal encajados en el argumento.

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El primer desencuentro, exento de violencia, que se produce entre las dos parejas protagonistas de Un dios salvaje tiene lugar ante la pantalla del ordenador en la que la madre del niño que ha sufrido la agresión que origina el relato modifica el texto en el que explica el desagradable suceso. La inclusión de la palabra “armado” molesta a los padres del agresor, que la encuentran violenta.

En las obras de Yasmina Reza, autora del texto teatral en que se basa escrupulosamente la película (y coguionista del film junto al propio Polanski), las palabras que se escogen y la forma en que se dicen son el germen que genera los conflictos, los comportamientos sociales inadecuados y el levantamiento de las máscaras. Es el caso de la reacción de los amigos del protagonista de Arte cuando este compra por mucho dinero un cuadro completamente blanco, de las diferentes situaciones que se generan con parecidos ingredientes en Tres versiones de la vida o de la incomprensión de unas hijas hacia su madre cuando esta redescubre el amor en su madurez en Chicas, el poco acertado debut de Reza en la dirección cinematográfica.

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Contagio es la película que Steven Soderbergh ha rodado este año, a modo de tributo de vasallo, para que los grandes estudios le financien otros proyectos más personales. Sin embargo, el norteamericano tiene la virtud (o defecto, según …) de impregnar cada film que rueda con su peculiar personalidad, y desde luego su nueva cinta no iba a ser menos en este sentido. A pesar de tratarse de un encargo, el director ha encontrado los suficientes elementos de interés en el guión de Scott Z. Burns para construir un film sólido, donde la implicación de Soderbergh y los actores se nota durante cada minuto del ajustado metraje.

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El árbol de la vida, gracias al innegable reclamo comercial de la presencia de Brad Pitt, está logrando que el cine de autor de tendencia más ‘hardcore’ esté llenando las salas españolas. Obviamente, el desconocimiento del espectador medio hacia el peculiar estilo de Terrence Malick se está traduciendo en una oleada de bostezos, comentarios jocosos, cabreos, y finalmente irónicos aplausos al final de las proyecciones (por parte los que no se han ido de la sala a la mitad de la película, claro) . Por tanto, es de esperar que la vida comercial del film no tenga más impacto en nuestras salas más allá del fin de semana del estreno.

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Tras alcanzar con ‘Hable con ella’ la cima artística y el mayor grado de reconocimiento de su carrera, Pedro Almodóvar no pudo evitar que su obra tomara una senda un tanto errática. El laberinto con tintes autobiográficos de ‘La mala educación’ y la simpatía costumbrista de ‘Volver’ parecían como creados ante un espejo que reflejaba el peso del trabajo previo del realizador, sus incontestables logros. En ‘Los abrazos rotos’ la autoconsciencia autoral empezó a jugar a favor de Almodóvar, con una parte final que remitía sin complejos a Mujeres al borde un ataque de nervios“.

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El cineasta chileno Raúl Ruiz (o Raoul Ruiz, nombre que adoptó para que en Francia lo nombraran correctamente) nos dejó hace nueve días. Murió en París, a los 70 años, a causa de una infección pulmonar. Solía residir allí desde que el dictador Pinochet se hiciera con el poder en su país, al que volvió para ser enterrado en un acto, dicen las crónicas, estremecedor y multitudinario. Aunque su cine no tenía una vocación demasiado popular, su último film, Misterios de Lisboa, llegó a estrenarse en España el pasado mes de marzo, tras conseguir la Concha de Plata al Mejor Director en el último Festival de San Sebastián, recibiendo además el aplauso unánime de la crítica.

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Super 8 supone quizá el más sentido homenaje que hay recibido Steven Spielberg por parte de otro creador audiovisual. Además, Super 8 cuenta con un detalle que convierte a la película en un producto singular: si en los 80 Spielberg se dedicó en buena medida a modelar a sus propios imitadores mediante a través de la productora Amblin, en 2011 ha sido capaz de ejercer como padrino en su propio homenaje, aportando la producción ejecutiva del film e incluso la marca ‘Amblin’ al comienzo de la cinta.

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Algunas de las mejores creaciones audiovisuales de los últimos años han sido series de televisión. Frente a la supuesta supremacía artística del cine, algunos creadores de la pequeña pantalla han hecho méritos para que esta pase a la historia como la edad dorada de las series (norteamericanas). Estas ficciones han encontrado el reconocimiento del público de todo el mundo, que se las ha ingeniado para seguirlas por cauces hasta ahora inéditos, y también de la crítica más seria (como demuestra el monográfico que han editado este mes nuestros compañeros de Cahiers du Cinema. España).

Lo que pretendo ahora es simplemente reseñar con extrema brevedad las cinco series que considero que nadie se debería perder. Notaréis que no hay ninguna pretensión de originalidad ni de ningún tipo por mi parte. Al necesitar las series una dedicación temporal muy superior a las películas convencionales, este crítico no ha podido disfrutar de algunas de ellas en su totalidad (Breaking Bad, Los Soprano) y otras ni siquiera las ha catado (Boardwalk Empire o Juego de tronos, el fénomeno del momento). Por lo demas, no solo se admiten sugerencias sino que se reclaman.

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Érase una vez en América, cinta que se repone este mes de julio en los cines Verdi de Madrid y Barcelona, supuso para Sergio Leone la culminación del proyecto de su vida. Tal fue su entrega a este film, concebido a finales de los años 60, que el realizador romano rehusó dirigir ninguna otra película desde 1971 hasta 1983, año en que comenzó el rodaje. Afortunadamente, el productor israelí Arnon Milchan le dio la ansiada oportunidad a principios de los 80, resultando de todo ello un monumental film de más de cuatro horas de duración.

Sin embargo, al poco tiempo Leone se vio obligado a recortar el metraje hasta 229 minutos, y estrenar el film en Europa en 2 partes. Al menos, esta versión aún se acercaba bastante a la visión original del director. En EEUU, Érase una vez en América corrió peor suerte, puesto que la distribuidora mutiló el film hasta dejarlo en 139 minutos, y además alteró el magistral montaje a base de flashbacks ideado por Leone, haciendo que la película se desarrollase de manera absolutamente cronológica, destruyendo el sentido y el impacto emocional que tenía la estructura original. Aún así, con el tiempo, el público americano acabaría conociendo el montaje europeo en formato doméstico.

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Blackthorn. Sin destino supone el regreso como director de Mateo Gil, el inseparable colaborador de Alejandro Amenábar, 12 años después de su decepcionante ópera prima, Nadie conoce a nadie.  En esta ocasión, y en un giro a su carrera casi paralelo al de su amigo, Gil ha cambiado el thriller moderno por un género tradicionalmente asociado al Hollywood clásico: el western, en este caso con cierto aroma épico.

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