Woody Allen: Filmografía (II)

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ETAPA CLÁSICA

En Love and Death se intuye la posibilidad de que Woody Allen, además de ser un excelente cómico, sea un cineasta importante.

Es curioso que, tras esta película, vuelva a tomarse un año de descanso antes de realizar Annie Hall (1977). Galardonada con el Oscar a mejor película y considerada una de las obras maestras de la historia del cine en Estados Unidos, con esta película Allen entra, y de que manera, en su segunda etapa. En esta película están ya todas las cualidades que tendrá el cine de Allen más recordado universalmente. Su personaje débil y perdedor de la etapa cómica está ahora también descrito como un intelectual, aunque algo contradictorio (en el fondo, el protagonista, Alvy Singer, está más interesado en el sexo y en ver deporte por televisión). A partir de este personaje, todos los que interprete Allen se corresponderán hasta cierto punto con lo que él hace en su propia vida, confundiéndose persona y personaje.

Desde esta película, las historias de amor se rebelan más profundas y dramáticas. Los problemas de pareja, de la insatisfacción sexual a la incomprensión familiar, pasan a primer plano y con esto la referencia al cine moderno europeo se hace más plausible, además de por la estructura temporal, lejos de la linealidad. El humor sigue presente, aunque más agridulce, y ahora deja de basarse en gags visuales para limitarse a las mil y una réplicas de Allen, muchas de ellas recordadísimas. La importancia de la mujer en el cine posmoderno también está presente en la película, con la creación del personaje de Diane Keaton, uno de los más fuertes referentes femeninos de toda la Historia del Cine.

Tras el mayor éxito de su carrera (aún lo sigue siendo) Allen bucea más profundamente en sus principales referentes cinematográficos y encuentra a Ingmar Bergman. Primera de una serie de tres películas, Interiores (1978) recuerda al maestro sueco, desde la fotografía a la interpretación, pasando por supuesto por la temática, de corte dramático y existencial. Allen renuncia a aparecer y el público renuncia a ir al cine, siendo tachada además de fraudulenta por los críticos.
 
Tras el chasco llega Manhattan (1979), curiosamente su película mejor considerada por los cinéfilos. Allen no quería que se estrenara, ya que creía que la posterior Recuerdos (que ya había rodado cuando se estrenó esta) era su respuesta más lógica a lo sucedido con Interiores. Sin embargo, la película por suerte se estrenó y fue un éxito. Fotografiada en blanco y negro por un maestro de la iluminación en el cine clásico como Gordon Willis, la película recuerda en muchos aspectos a Annie Hall y forma junto a ella el núcleo duro del Allen clásico. El carácter semiautobiográfico, la referencia al melodrama de enredos clásico de Hollywood, el tono agridulce, la presencia de Nueva York como un personaje más o el gusto particular en la selección musical hacen de este uno de los grandes clásicos de Allen, en el que se constata también un exquisito gusto en la composición de los planos.

Con la posterior Recuerdos (1980) se exorcizan los demonios cinematográficos de Allen. La peícula cuenta la historia de un director que hacía comedias y se pasa al drama al no encontrar sentido a la vida, siendo rechazado entonces por crítica y público. Esta respuesta tan obvia como tajante potencia el carácter autobiográfico de la etapa clásica de Allen. La referencia formal y temática es en este caso el cineasta italiano Federico Fellini y su 8 y ½, al que la película recuerda muchísimo (Allen queria llamarla 8 a secas, ya que le faltaba un poco para alcanzar a Fellini). Una vez más un cineasta de los 70 toma algo del cine moderno europeo, lo asume y lo reutiliza en su estilo.

Una vez zanjada la polémica, Allen rebaja el tono con La comedia sexual de una noche de verano (1982). Con influjos de Shakespeare (hasta en el título) y de Bergman (en lo cinematográfico), la película es una sencilla comedia, aunque con más contenido que sus primeras obras.

La posterior Zelig (1983) es una verdadera rareza en la carrera de Woody Allen. Trabajada como un falso documental ambientando 50 años antes, la película tiene más intencionalidad de lo que pueda parecer a simple vista. Aunque queda encuadrada en esta etapa que hemos denominado clásica de su carrera, la obra es tan particular que no cuadra bien en ninguna de los periodos.

De nuevo con Gordon Willis encargándose de la fotografía en blanco y negro, Allen vuelve a su cine más puro con Broadway Danny Rose (1984) , historia que lo devuelve a la senda de su normalidad, en la que cada vez va a sentirse menos cómodo.

Esto lo demuestra La rosa púrpura del Cairo (1985), en la que empieza a conjugar los elementos melodramáticos con los mágicos de forma que nunca se había visto en su carrera. En la época de la depresión, Cecilia olvida sus penas yendo al cine y enamorándose de los héroes de las películas. En una sesión, el protagonista se escapa de su película (llamada como la obra de Allen), cayendo en el mundo real de Cecilia, produciéndose una historia de amor surrealista y profundamente imaginativa. Aún introduciendo elementos de la que será su posterior etapa manierista, la amargura del desamor vuelve a ser el tema principal y clasifica al film dentro de la etapa clásica. Allen ha llegado a admitir que esta es la película por la que le gustaría ser recordado.

Tras las alabanzas, Allen se embarca en Hannah y sus hermanas (1986), que también pasará a formar parte de lo más laureado de su carrera. Hace hincapié en sus temas clásicos (sexo, religión, desamor, Nueva York, jazz, arte…) pero en este caso construyendo una trama coral. Los resultados demuestran su capacidad para generar obras maestras en esta etapa.

Al año siguiente hará dos películas, una bergmaniana y otra felliniana. Relajado por sus últimos éxitos, vuelve a fascinarse con sus cineastas preferidos. Por tanto, Septiembre (1987) se sitúa en la estela de Interiores (y obtiene una similar recepción) mientras que Días de radio (1987) es una suerte de Amarcord en la que Allen relata recuerdos de su infancia relacionados con la radio. Rodada con excelente dirección artística y vestuario, la película es muy interesante ya que sirve para localizar el origen real del Allen clásico.

Otra mujer (1988) cerrará la trilogía bergmaniana, y en este caso obteniendo además una entusiasta recepción por parte de la crítica, que reconoce por fin que Allen puede trasladar su universo al drama puro y duro. Aunque aquí llega a contar con el mítico director de fotografía del propio Bergman (Sven Nykvist), el drama por vez primera es puramente alleniano, convirtiéndose la obra en el reverso triste de esta etapa clásica, que está a punto de cerrarse.

Y que efectivamente se cerrará con Delitos y faltas (1989). Allen consigue aquí mezclar tanto la comedia como el drama de su etapa clásica con mucho acierto. A sus obsesiones habituales se unen el crimen y la culpa, con influjos de Dostoievsky que serán retomados muchos años después en Match Point. Es probablemente la única película de Allen sobre la que no hay voces disonantes: todo el mundo está de acuerdo en que es magistral.

Así por tanto se cierra la época clásica de Allen, que como corresponde siempre a lo clásico, será la mas recordada e imitada. Sin embargo, la investigación sobre sí mismo y su propio cine, así como la experimentación formal (que ya había probado en Zelig y La rosa púrpura del Cairo) pasarán a tomar ahora el papel principal.

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